L'art baroque

Le mot baroque qui vient sans doute de barrueco  signifie en 

espagnol pierre irrégulière. Il désigne un mouvement 

artistique dominant pendant près de deux siècles, 

accompagnant les principales évolutions religieuses et 

politiques de 1580 à 1780 en Europe surtout, mais aussi dans 

le monde. 

Cet art lié à la réaction religieuse de la Réforme catholique, a 

pour fondement la volonté du  concile de Trente de 

réhabiliter les images (remises en cause par les protestants) 

en suscitant un art qui s’adresse à la sensibilité plutôt qu’à la 

raison. Il inscrit aussi ses racines dans l’art caravagesque du 

tournant des années 1600, novateur par le réalisme de ses 

sujets et de ses figures, l’utilisation des contrastes d’ombre et 

de lumière  qui noient les contours des corps et des objets.  

Le baroque se développe déjà dans les pays catholiques : 

l’Italie en est le point de départ  puis le monde hispanique, 

les Pays-Bas espagnols, l’Autriche et la Bavière, l’Amérique 

latine sous l’impulsion des jésuites. Mais il faut se garder 

d’assimiler baroque et régions catholiques : la France 

catholique résiste au baroque et ses rois puissants préfèrent 

l’ordre classique qui magnifie leur pouvoir ; les pays 

protestants – la Hollande de Rembrandt – sont nettement 

influencés par le style baroque.  

L’opposition entre baroque et classicisme n’est donc pas 

toujours facile à observer car on peut retrouver des 

caractères des deux styles dans les mêmes œuvres. Les 

historiens étrangers nomment d’ailleurs « baroque français » 

notre classicisme et le tableau de Jouvenet du musée des 

Beaux-arts de Reims est l’œuvre d’un peintre formé par les 

artistes classiques, Poussin et Le Brun, bien qu’elle soit 

« baroquisante ». 

Notons que le style rocaille ou  rococo, inventé à la cour de 

Louis XV et issu de l’art baroque, envahit toutes les cours 

princières au XVIII° siècle. 

Les caractéristiques 

L’art baroque naît dans le contexte de l’essor des villes et 

des Etats et s’inscrit dans un urbanisme sans précédent : les 

villes de Rome, Paris, Versailles, Londres sont remodelées 

en fonction d’une symbolique précise ; les places, les palais 

et les églises traduisent un idéal de persuasion religieuse et 

de puissance politique. Le baroque s’attache donc 

initialement à l’architecture (le Bernin, Borromini) puis 

s’applique à la peinture, la sculpture, la littérature, la 

musique. 

Techniques et supports 
La peinture murale et particulièrement la peinture de plafond 
exécutée à fresque dominent le style baroque. L’œuvre aux 
dimensions considérables est généralement inscrite dans un 
riche écrin plastique où se combinent stucs et sculptures aux     

dimensions souvent exagérées. La peinture sur toile est un 

décor, principalement d’église, qui doit être vu de loin par 

des fidèles nombreux. 

Les thèmes 

La peinture baroque est essentiellement religieuse, son 

iconographie a été fixée par le concile de Trente : la Vierge, 

les anges, la vie de saints, et les héros récents de l’Eglise 

catholique y sont célébrées. La tendance est à la théâtralité 

afin de surprendre et émouvoir les fidèles : apothéoses, 

enlèvements de saints par des anges dans les nuées célestes, 

extase (Sainte Thérèse). 

Mais on trouve aussi des scènes mythologiques, allégories 

qui autorisent les représentations de nus. 

Plus rares, les scènes de genre sont présentes essentiellement 

dans la peinture du Nord (voir Rubens, La Kermesse).

La composition, le dessin, la couleur, la touche 
Le peintre baroque ne fait pas du dessin l’élément essentiel 
de ses compositions, figures et objets n’ont pas les contours 
nets qu’ils possèdent dans la peinture classique. Les formes 
s’enchaînent, le regard n’est plus conduit par le jeu rationnel 
d’une perspective linéaire, il est retenu par les éléments 
tactiles et chromatiques qui structurent la peinture (touche, 
effets de lumière changeante et dramatique, rendus des 
matières, carnations, draperies…). 
La profondeur est crée plutôt par des lignes diagonales dans 
lesquelles le regard s’enfonce. La composition est ouverte et 
n’est pas forcément bâtie selon une symétrie haut / bas ou 
droite / gauche et renonce à souligner par la distribution des 
formes la proximité des bords du tableau. L’utilisation de 
diagonales, de spirales et de courbes imposent une idée de 
mouvement plutôt que de stabilité. 
L’œuvre baroque est conçue comme un tout unitaire : « la 
partie est subordonnée au tout, sans qu’elle renonce pour 
cela à exister en soi » (Wölfflin). Il est souvent difficile 
d’isoler un motif tant les formes s’interpénètrent. Avec des 
formes ainsi fondues les unes dans les autres, la peinture 
baroque est souvent moins lisible que la peinture classique.  
Les figures baroques sont rarement intégralement nues 
comme l’indique le concile de Trente, sauf chez Rubens. 
La volonté de dramatisation héritée du caravagisme conduit 
les peintres baroques à préférer le dynamisme à la pose. Les 
figures accomplissent souvent des mouvements violents que 
le pinceau suspend brusquement (comme dans un arrêt sur 
image). L'artifice de ces attitudes suscite émotion du 
spectateur ce qui est le but du peintre baroque.